David Hockney – Bradfordin lahjakkuus, joka maalasi asioita joita rakasti
David Hockney, joka on kuollut 88-vuotiaana, tunnettiin laajalti Britannian rakastetuimpana taiteilijana – ylpeänä yorkshirelaisena, jolla oli teräviä mielipiteitä ja tunnistettava leveä murre. Hän oli poikkeuksellinen lahjakkuus lähes kaikissa kuvataiteen medioissa, ja hänen tuotantonsa sekä persoonansa vaikuttivat taidemaailmaan yli kuuden vuosikymmenen ajan.
Lapsuus Bradfordissa ja varhain herännyt kutsumus taiteeseen
David Hockney syntyi 9. heinäkuuta 1937 Bradfordissa, työläisperheen poikana. Hänen isänsä Kenneth oli vakaumuksellinen pasifisti ja aseistakieltäytyjä, joka vastusti jyrkästi sosiaalista epäoikeudenmukaisuutta, ydinaseita ja tupakointia. Äiti Laura oli perheen selkäranka – päättäväinen ja harras metodisti.
David oli yksi viidestä sisaruksesta; tiivis ja lämminhenkinen perhe asui ahtaasti pienessä rivitalossa. Toisen maailmansodan pommitusten aikana perhe piiloutui portaiden alle, Raamatut käsissään. Vuonna 1940 yksi räjähdys tuhosi kokonaisen kadun heidän ympäriltään.
Jo lapsena Hockney oli täysin omistautunut piirtämiselle. Sodan aikainen paperipula rajoitti hänen varhaiset kokeilunsa keittiön lattiaan ja virsikirjoihin kirkossa. Myöhemmin stipendiaattina Bradford Grammar Schoolissa hän kieltäytyi käytännössä opiskelemasta mitään muuta kuin kuvataidetta.
Eräässä kokeessa hän kirjoitti: ”En ole hyvä luonnontieteissä, mutta osaan piirtää.” Hän oli suosittu, hauska ja opettajiensa jatkuva päänsärky. Yksi opettajan arvioista jää historiaan nolona harha-arviona: ”Hänen tulisi ymmärtää, että pelkkä innostus taiteeseen ei riitä tekemään siitä uraa.”
Taidekoulut, kova työmoraali ja läpimurto
16-vuotiaana Hockney pääsi taidekouluun ja saapui paikalle liituraitapuvussa ja knallihatussa – ulkoisesti räväkkänä, mutta sisäisesti äärimmäisen kurinalaisena. Hänen työmoraalinsa oli lähes protestanttinen: hän maalasi easelinsa ääressä jopa 12 tuntia päivässä.
Kansallisen palveluksen hän suoritti, isänsä tavoin, aseistakieltäytyjänä. Se tarkoitti pitkiä, raskaita tunteja ruumiiden pesijänä ruumishuoneella – kokemus, joka vahvisti hänen vakaumustaan ja haluaan käyttää taidettaan elämän ja inhimillisyyden puolustamiseen.
Seuraava käännekohta oli Royal College of Art Lontoossa. Hockney asui lämmittämättömässä puutarhavajassa, maalasi käytännössä jokaisen hereilläolotunnin ja nautti uudesta boheemista vapaudesta. 1960-luku eli Pop-taiteen ja abstraktin ekspressionismin hurmaa, mutta Hockney ei halunnut vain seurata trendejä.
Amerikkalainen luokkatoveri, taiteilija RB Kitaj, antoi hänelle neuvon, josta tuli Hockneyn uran peruslause: ”Maalaa asioita, joita rakastat.” Hockney on myöhemmin todennut, että se oli paras neuvo jonka hän koskaan sai. Hän alkoi keskittyä siihen, mikä häntä todella kiinnosti: politiikkaan, kirjallisuuteen ja oman homoseksuaalisuutensa tutkimiseen.
Seksuaalisuuden näkyväksi tekeminen ja rohkeat teemat
Yksi Hockneyn varhaisista, kohua herättäneistä teoksista kuvasi häntä rakastavassa aktissa amerikkalaisen runoilijan Walt Whitmanin kanssa. Teos pakotti katsojan kohtaamaan taiteilijan omat halut, fantasiat ja identiteetin. Se oli nuoren Hockneyn yritys ojentautua kohti sitä ihmistä, joksi hän halusi tulla.
Hän oli Royal College of Artin kirkas tähti, mutta samalla jääräpäinen. Hockney kieltäytyi kirjoittamasta yhtä vaadittua esseetä, minkä vuoksi hän alun perin reputti lopputenttinsä. Julkinen kohu pakotti kuitenkin korkeakoulun perääntymään: hän sai lopulta tutkintonsa ja vieläpä arvostetun kultamitalin. Valmistujaisjuhlassa Hockney saapui paikalle kultaisessa lamé-takissa akateemisen kaavun alla – ele, joka kiteytti hänen suhteensa auktoriteetteihin ja perinteisiin.
Pop-kulttuurin tähti ja lähtö kohti Kalifornian paratiisia
1960-luvun lopulla brittiläiset sanomalehdet alkoivat julkaista kiiltäviä viikonloppuliitteitä, joissa taiteilijoista ja poptähdistä tehtiin uudenlaista luokkarajat ylittävää julkkiskastia. Hockney esiintyi muun muassa The Sunday Timesin sivuilla yhdessä Andy Warholin kanssa.
Uudesta kuuluisuudesta huolimatta Hockney kyllästyi sodanjälkeisen Britannian harmauteen. Vuonna 1964 hän lensi Los Angelesiin etsimään täydellistä valoa ja pronssisia miesvartaloita, joita oli nähnyt amerikkalaisissa miestenlehdissä. Lähestyessään kaupunkia hän näki koneen ikkunasta laaksoihin ripotellut sadat uima-altaat, jotka kimalsivat auringossa – lupaus huolettomasta, vauraasta ja seksuaalisesti vapaasta elämästä.
Siinä missä Britanniassa säännöstely oli juuri päättynyt, Kaliforniassa uima-allas oli lähes arkipäiväinen osa elämää. Hockney lumoutui. Hän vaihtoi brittiläiset öljyvärinsä kirkkaisiin akryyliväreihin, mutta piti tiukasti kiinni Bradfordin murteestaan, jota amerikkalaiset rakastivat.
Los Angelesissa hän oli ensimmäistä – ja luultavasti ainoaa – kertaa elämässään aidosti seksuaalisesti holtiton. Televisiomainos inspiroi häntä värjäämään tukkansa kirkkaan vaaleaksi. Hockney alkoi maalata ympäröiviä rakennuksia ja arkkitehtuuria, päämääränään tehdä Los Angelesille sen, minkä Piranesi oli tehnyt Roomalle.
Uima-altaat, A Bigger Splash ja homoseksuaalisen elämän puolustus
Uima-altaista tuli yksi Hockneyn ikonisimmista aiheista. Lämmin ilmasto, valo ja alastomat miesvartalot yhdistyivät teoksissa, jotka loivat visuaalisen myytin Kalifornian paratiisista. Hänen tunnetuin teoksensa tältä ajalta on A Bigger Splash.
Teoksessa kulmikkaat rakennukset ja pilvetön taivas on maalattu telalla, kun taas vesiroiske – näkymättömän sukeltajan aiheuttama hetkellinen häiriö pinnassa – on siveltimen työtä. Maalaus kuvaa järjestyksen ja kaaoksen rinnakkaiseloa. Siinä missä valokuva pysäyttäisi liikkeen, Hockneyn maalaus saa veden näyttämään elävältä ja jatkuvasti muuttavalta.
Koska homoseksuaalisuus oli yhä laitonta, Hockneyn Kalifornia-aiheiset maalaukset toimivat myös elämäntavan puolustuksena. Ne normalisoivat ja juhlistivat miesten välistä rakkautta aikana, jolloin se oli yhteiskunnan marginaaliin sysättyä.
Paluu Britanniaan, sensuuri ja taistelut viranomaisia vastaan
Palattuaan Lontooseen neljä vuotta myöhemmin Hockney törmäsi brittibyrokratian ahdasmielisyyteen. Tulliviranomaiset takavarikoivat hänen mukanaan tuomiaan lehtiä, joissa esiintyi alastomia miehiä ei-pornografisissa asennoissa. Viranomaiset pitivät niitä ”sopimattomina”.
Hockney raivostui. ”En ole mikään pikku bisnesmies, joka juoksee karkuun. Nähdään oikeudessa”, hän karjui virkamiehelle. Hän käynnisti äänekkään sensuurinvastaisen kampanjan, kunnes silloinen sisäministeri James Callaghan puuttui asiaan ja määräsi lehdet palautettaviksi.
Hockneyn työtahti pysyi hurjana. Hän sijoitti sänkynsä päätyyn kyltin, jossa luki: ”NOUSE YLÖS JA ALA HETI TÖIHIN.” Kun piirtäminen väsytti, hän otti valokuvia, teki etsaustöitä tai suunnitteli oopperalavastuksia. Taustalla kalvoi jatkuva tunne, ettei hän tehnyt riittävästi.
Rakkaus, sydänsurut ja Pariisin vuodet
Samalla Hockney koki raskaita sydänsuruja. Hänen suhteensa nuoreen kalifornialaiseen Peter Schlesingeriin – monien Hockneyn teosten ikoniseen malliin – oli hiipumassa. Taiteilija suostui osallistumaan televisiodokumenttiin työstään ja järkyttyi, kun ohjelma keskittyikin hänen yksityiselämänsä kriiseihin.
Hän muutti uuteen alkuun Pariisiin. Siellä Hockney erottui joukosta pyöreine silmälaseineen, värikkäine rugby-paitoineen ja henkseleineen. Hänen ranskansa oli kömpelöä ja vahvasti yorkshirelaisen aksentin värittämää, mutta se ei estänyt häntä keskittymästä siihen, minkä hän osasi parhaiten: muotokuviin.
Hockneyn oli vaikea maalata ihmisiä, joita hän ei tuntenut. Hän halusi kuvata ystäviään ja perhettään – jälleen kerran rakkaus oli hänen taiteensa ydin. Taloudellisesti tämä ei ollut aina järkevää, mutta se vastasi hänen elinikäistä periaatettaan maalata vain asioita, joita hän todella rakasti.
Erityisesti kaksosmuotokuvat kiehtoivat häntä. Niissä katsoja jää pohtimaan kuvattavien välistä suhdetta: kahden ihmisen välinen dynamiikka oli Hockneyn mielestä aina kiinnostavampi kuin yksittäinen hahmo. Pariisissa syntynyt maalaus hänen vanhemmistaan on hienovarainen draama: Kenneth ja Laura ovat samassa tilassa, mutta lähes tietämättömiä toisistaan – yhdessä ja silti erillään, 48 avioliittovuoden jälkeen.
Teknologian omaksuja: polaroidit, faksitaide ja digitaaliset kokeilut
Harva taiteilija innostui uudesta teknologiasta yhtä paljon kuin David Hockney. 1970-luvulla hän hurmaantui Polaroid-kamerasta ja teki satoja kollaasimaisia koosteita, joissa hän leikki tilan ja perspektiivin kanssa. Myöhemmin hän loi kokonaisia näyttelyitä kopio- ja faksikoneilla tuotetusta taiteesta, rakentaen valtavia teoksia yksittäisistä paperiarkeista.
1970-luvun loppuun mennessä Hockneystä oli tullut yksi maailman tunnetuimmista taiteilijoista. Kuulon heikkeneminen pakotti hänet käyttämään kirkkaan pinkkejä kuulolaitteita, mutta menestys oli tehnyt hänestä varakkaan. Bradfordin pojasta oli tullut seurapiirien vieras, joka vietti aikaa esimerkiksi prinsessa Margaretin kanssa Mustiquessa.
Aids-kriisi, menetysten suru ja taiteen lohduttava voima
1980-luvun Aids-epidemia mursi Hockneyn lähipiirin. Yhdellä New Yorkin matkalla hän vieraili kolmessa eri sairaalassa hyvästelemässä ystäviään. Hän reagoi tragediaan upottamalla itsensä työhön: hän maalasi pakonomaisesti ystäviensä muotokuvia, ikään kuin yrittäen pitää heidät elossa kankaalla.
Huoleton elämäntapa, joka oli aiemmin tuntunut paratiisilta, oli muuttumassa painajaiseksi. Hockneylle maalaaminen oli keino pitää rakkaat ihmiset lähellä ja antaa merkitys menetyksille.
Yhteiskuntakriitikko ja tupakoinnin puolustaja
Vuosien myötä Hockneysta tuli entistä enemmän eräänlainen ”Muinaisen merimiehen” hahmo – lakkaamaton varoittaja ja valittaja, jonka kommentit olivat teräviä ja usein viihdyttäviä. Yhdysvalloissa hän ärsyyntyi erityisesti tupakoinnin vastaisiin kampanjoihin ja sääntelyyn.
”D-päivänä Eisenhower poltti 80 savuketta”, hän tapasi muistuttaa. ”Luuletteko, ettei hän tarvinnut niitä?” Hockney piti tupakointirajoituksia esimerkkinä holhoavasta vallankäytöstä, joka kavensi yksilön vapautta.
Britanniassa hän suhtautui nihkeästi Margaret Thatcheriin, jonka politiikan hän näki vapauttavan yrittäjää mutta ei taiteilijaa. Hän arvosteli hallitusta homofoobisuudesta ja kampanjoi näkyvästi Section 28 -lain pykäliä vastaan. Myöskään Tony Blair ei saanut häneltä sympatiaa: Hockney paheksui New Labourin ”kulttuurista määräilyä” ja osallistui Countryside March -mielenosoitukseen maaseudun puolesta.
Erityisen ankarasti hän suhtautui Gordon Browniin, jota hän kutsui ”synkäksi kalvinistiseksi tekopyhäksi” ja toivoi tämän tulevan joskus tarpeeksi lähelle, jotta voisi ”potkaista tätä munille”. Hockneyn poliittiset kommentit olivat yhtä suorasukaisia kuin hänen taiteensa.
Takaisin maalaamiseen: maisemat, Yorkshire Wolds ja myöhäinen läpimurto
1990-luvulla Lontoon taidekenttää hallitsivat Damien Hirst, Tracey Emin ja muut Young British Artists -ryhmän edustajat, jotka esittelivät haikaloja formaldehydissä ja tekivät taidetta petaamattomista sängyistä. Hockney, yksi aikansa suurimmista uudistajista, teki radikaalin liikkeen – hän palasi perinteiseen maalaukseen.
Ei kuitenkaan mihin tahansa maalaukseen, vaan maisemiin – genreen, jota moni piti viikonloppuharrastelijoiden valtakuntana. Hockney muutti Bridlingtoniin, missä hänen sisarensa ja iäkäs äitinsä asuivat, ja alkoi maalata Yorkshire Woldsin kumpuilevia maisemia. Nuorena hän oli pyöräillyt samoilla seuduilla Bradfordista tienatakseen taskurahaa maatiloilla. Nyt maisemat toivat mieleen sadonkorjuun, latojen lattioilla nukutut yöt ja nuoruuden vapauden.
Hockneylle tämä oli yhtä lailla paratiisi kuin Kalifornia 1960-luvulla. Hän seisoi ulkona säässä kuin säässä ja maalasi satoja näkymiä vehreistä niityistä ja tienvarsien kasvillisuudesta, usein monumentaalisessa mittakaavassa. Se oli vanhan mestarin haaste nuorta, kyynistä ja käsitteellistä taidemaailmaa vastaan.
Kaikki kriitikot eivät lämmenneet. Brian Sewell totesi pilkallisesti, että teokset sopisivat korkeintaan Green Parkin aitoihin myyntiin. Yleisö kuitenkin rakastui niihin. Suuri koko loi yllättävän intiimin vaikutelman, imaisten katsojan sisään maisemaan.
Digitaalinen aikakausi, iPad-maalaukset ja immersiiviset näyttelyt
Hockney jatkoi innostunutta kokeiluaan teknologian kanssa pitkälle vanhuuteensa. Koronapandemian aikana hän maalasi uusia maisemia Normandiassa – teoksia, joissa yhdistyivät luonnon tarkka havainnointi ja kirkas, lähes sähköinen väripaletti.
Vuonna 2023 Lontoossa avattiin hänen itse kertomansa 4D-elämysnäyttely, jossa maalaukset, valokuvat ja oopperalavastukset heijastettiin 11 metriä korkeille seinille valtavassa maanalaisessa tilassa. Kokemus vei katsojan kirjaimellisesti sisään Hockneyn maailmaan.
Samalla hän oli täysin tyytyväinen työskentelemään myös intiimimmässä mittakaavassa: iPad-maalaukset hänen lempipuistaan ja -puistaan sekä pienet, herkät muotokuvat – kuten Harry Stylesista tehdyt työt – todistivat, että Hockneyn uteliaisuus ja leikkisyys eivät hiipuneet iän myötä.
Myöhäisvuodet, kunnianosoitukset ja vastahakoinen kunniamerkkien vastaanottaja
Vuonna 2018 yksi Hockneyn uima-allasteoksista myytiin huutokaupassa lähes 70 miljoonalla punnalla, mikä teki siitä tuolloin kalleimman elävän taiteilijan teoksen. Hockney oli itse aidosti yllättynyt julkisesta innostuksesta – hänen omien sanojensa mukaan hän oli vain noudattanut yhtä sääntöä: ”Maalaa asioita, joita rakastat.”
Vuonna 2025 Pariisissa avattiin valtava retrospektiivinen näyttely, joka kattoi hänen koko uransa. Terveydentilan heikennyttyä Hockney matkusti jo 24-tuntisen lääkärivalvonnan alaisena; mukana kulkivat hänen mäyräkoiransa ja kaksi lääkintäavustajaa, jotka päätyivät – luonnollisesti – osaksi hänen taidettaan. Lisää näyttelyitä suunniteltiin, muun muassa jättimäinen näyttely Tate Modernissa juhlistamaan hänen 90-vuotispäiväänsä vuonna 2027.
Uransa aikana Hockney voitti käytännössä kaikki mahdolliset kunnianosoitukset – ja torjui niistä niin monta kuin pystyi. Hän kieltäytyi ritarinarvosta vuonna 1990 ja raivostui, kun kuuli tulleensa nimitetyksi Companion of Honour -arvon saajaksi; tarinan mukaan joku oli avannut kirjeen ja hyväksynyt nimityksen hänen puolestaan. Order of Merit -arvon hän kuitenkin otti vastaan, koska piti sitä kuningatar Elisabet II:n henkilökohtaisena kunnianosoituksena ja olisi kokenut epäkohteliaaksi kieltäytyä.
Yksi kunnianosoitus oli hänelle erityisen mieleenpainuva. Vuonna 2007 Tate Britain järjesti juhlan Hockneyn 70-vuotissyntymäpäivän kunniaksi. Illallisen jälkeen ilmoitettiin, että palohälyttimet kytkettäisiin kymmeneksi minuutiksi pois päältä, jotta ”Britannian suurin elävä taiteilija” voisi polttaa savukkeen. Se oli juuri sellainen kunnianosoitus, jota tavallinen ”herra Hockney” osasi arvostaa – ele, jota tuskin olisi myönnetty kenellekään muulle.
Perintö: Hockney, rakkaus ja modernin taiteen tarina
David Hockneyn perintö modernille taiteelle on valtava. Hän osoitti, että perinteinen maalaus voi olla yhtä radikaalia kuin konseptitaide, kun aiheena ovat asiat, joita taiteilija todella rakastaa. Hän yhdisti rohkean värienkäytön, intiimin ihmiskuvauksen, teknologisen uteliaisuuden ja tinkimättömän yksilönvapauden puolustamisen tavalla, joka puhutteli sekä kriitikoita että suurta yleisöä.
Hockneyn elämäntarina kytkeytyy laajemmin urheilun ja kulttuurin suuriin jäähyväisiin: samalla kun esimerkiksi Uuden-Seelannin kriketin legenda päättää maajoukkueuransa, kuten artikkelissa Kane Williamson lopettaa maajoukkueuransa – Uuden-Seelannin kaikkien aikojen runkomies hyvästelee kansainvälisen kriketin kuvataan, myös kuvataiteen puolella yksi aikamme merkittävimmistä tarinoista on tullut päätökseensä. Molemmissa tapauksissa kyse on tinkimättömästä omistautumisesta omalle lajille, rakkaudesta tekemiseen ja siitä, että ura huipulla päättyy omilla ehdoilla.
Hockney pysyi loppuun asti uskollisena omalle motolleen: maalata asioita, joita hän rakasti. Se teki hänestä paitsi Britannian suosikkitaiteilijan myös yhden koko 1900- ja 2000-luvun merkittävimmistä kuvantekijöistä.
Ei sisällä instagram post:eja
